Stéphane Rolland ha presentado su Colección de Alta Costura Otoño-Invierno 2025-2026 en el Teatro de los Campos Elíseos de Paris, el 8 de Julio de 2025. Su propuesta esta vez gira en torno a una fantasía de inspiración española, con detalles y reminiscencias a la fiesta brava, con la excepcional participación de la directora Zahia Ziouani y su Orquesta Divertimento. 

Y es que esta temporada, Rolland ha tomado la biografía de Maurice Ravel e Ida Rubinstein como referencia para desplegar una colección con siluetas estructuradas, dominada por el color negro, representado en crepé, satén, gazar y gasa, jugando con volúmenes e inspiración barroca, alimentada por la nostalgia del Boléro compuesto por Ravel en 1928, influenciado por su origen ibérico. España se vuelve a la vez mecánica y mítica, oriental y futurista. 

El color rojo irrumpe para representar el brillo de España, el fuego de la pasión, un homenaje al Bolero. La colección oscila entre la tensión y el ornamento, entre la sobriedad y la opulencia, entre el espíritu del ballet y la máquina. Como Rubinstein y Ravel, es un encuentro de opuestos: una sinfonía de Alta Costura donde el rigor moderno, casi de estilo japonés, se ve superado por la fantasía española. 

Considero que el espíritu libre, libertino, hipnótico «mesmerizer» y a la vez opulento, elegante y sensual de Ida está impregnado en esta colección de faldas corola de grandes proporciones y vuelos de seda (con aires del New Look), maxifaldas globo, vestidos sin espalda con cuellos cúbicos, esmóquines con solapas monumentales, jumpsuits de pantalón semicirculares y abrigos de matador con intrincados bordados, mientras los vestidos están trabajados con coral y cristal; las capas de estilo samurái se cubren de lentejuelas negras y translúcidas, y el oro y los cristales acompañan la joyería a manera de talismán. 

Le Boleró FW25-26 de Stéphane Rolland tiene un concepto muy redondo, bien cerrado, incluso en la manera en que se introduce la imagen de los engranajes en el opening, como referencia a las máquinas creadas por Pierre-Joseph Ravel, padre de Maurice, mientras el show transcurre con la pieza de Bolero ejecutado por la Orquesta Divertimento. Solo en escena se puede apreciar el brillo incandescente de las telas, la gracia de su movimiento y su caída, más allá de una foto, así que sugiero encarecidamente mirar el video del desfile para apreciar la belleza del espectáculo (apto para toda la familia).

Como último acto del desfile aparece la novia, bajo una cúpula bordada en oro. La nota final de esta sinfonía.

This season, Stéphane Rolland shapes and sculpts a fascinating encounter between two imaginations: that of Maurice Ravel, architect of mechanical and abstract rhythm, and that of Ida Rubinstein, a muse in search of an Iberian dream-sensual and spectral.

From this tension between modernist rigor and dreamlike evocation emerges a wardrobe where Spain becomes at once mechanical and mythical, oriental and futuristic.

The silhouettes rise like musical scores: structure prevails, volumes move with the precision of an engine, yet each piece pulses with a baroque and incandescent breath.

Black dominates-dramatic and noble-rendered in crepe, satin, gazar, and chiffon.

Stéphane structures backless gowns with cubic collars, tuxedos with monumental lapels, semi-circular pant jumpsuits, and matador coats with intricate embroidery.

Red bursts forth like a syncopatio-Spain’s brilliance, the fire of passion, a tribute to the Boléro.

The couturier adorns his long gowns with coral and crystal embroidery; samurai-style capes are covered in black and translucent sequins; giant corollas and silk flights unfold like an incandescent dream.

Gold and crystals add a near-sacred brilliance to this universe: diamond whip-brooches, plastron necklaces, ceremonial vests, and medallions suspended like talismans.

The collection oscillates between tension and ornament, between restraint and opulence, between the spirit of ballet and the machine. Like Rubinstein and Ravel, it is a meeting of opposites-a Haute Couture symphony where modern rigor, almost Japanese in style, is overtaken by Spanish fantasy.

The bride appears, a white icon crowned with a dome embroidered in gold. The final note of this symphony.

Stéphane Rolland

1. Black crepe dress with rolled satin sleeves. Embroidered black organza matador belt. 

2. Backless black jersey dress with a cubic collar in gazar and black satin. (Worn by Cardi B in her music video “Imaginary Playerz”, 
Styled by the visionary Kollin Carter)

3. Dress with cubic sleeves in white jersey and gazar. 

4. Dress with disc sleeves in black silk gazar. Pair of “whip” brooches in marquise-cut diamonds. 

5. Tuxedo dress with oversized collar in wool gazar and black satin. 

6. «Arch» tuxedo jumpsuit in wool gazar and black satin. 

7. Long “Iberico-Samurai” dress in red wool gazar embroidered with crystal and red coral. 

8. Long dress with cubic collar in black crepe and satin. Jewelry collection necklace in yellow gold, diamonds, and black lacquer. 

9. Long backless dress in black crepe with oversized tuxedo collar in black satin. Pair of “whip” brooches in round diamonds. 

10. “Cubic” tuxedo jumpsuit in silk gazar and black satin. 

11. Bubble-shaped tailored dress in black jersey and silk faille. 

12. Backless jumpsuit in black crepe and satin. 

14. Coat-dress in white double cashmere embroidered with black silicone branches. 

15. Long openwork red crepe dress with red gazar corolla.
 Embroidered with crystal and red coral. 

16. Asymmetrical draped long dress in red silk crepe.
 Embroidered with crystal and red coral. (Worn by Cardi B on her Billboard cover story, Styled by Kollin Carter).

17. Openwork long dress with “sunset” collar in red silk crepe and gazar. Embroidered medallion with crystal and red cubes. 

18. Long samurai-style dress in embroidered nude silk gazar. 

19. Strapless “samurai” long dress in red silk crepe embroidered with red crystal. 

20. Long poncho dress in red chiffon with red organza leaves.
 Jewelry collection necklace. 

21. Long backless caftan dress in platinum lamé crepe embroidered with black crystal. 

22. Long pleated black chiffon pull-style dress, embroidered with anthracite crystal and layered with black organza. 

23. Long poncho dress in nude crepe with black silk gazar flares. 

24. Mini pull dress in black silk crepe with embroidered nude gazar flares. 

25. Embroidered black satin “scarf” mini dress. 

26. Mini jacket dress in white gazar and jersey with embroidered black gazar flare. 

27. Strapless mini dress and embroidered black and white gazar torero cape. 

28. Embroidered cardigan and long paneled skirt in black silk gazar. 

29. Matador vest in black silk gazar embroidered with gold and crystal. Low-waisted long skirt in black gazar. 

30. Long black chiffon tunic and paneled black satin skirt embroidered with gold silicone. Plastron necklace and gold metal bracelets. 

31. Ball gown in black silk gazar. 

32. The bride. 
Iconic white silk gazar gown with a gold-embroidered dorsal dome. 

Maurice Ravel is famous for his Boléro, composed in 1928.

While the piece has been interpreted in countless ways, Ravel insisted it should be played in a single tempo, evoking the plaintive style of Arab-Spanish music. The same theme is first introduced by a tambourine and a flute, then gradually taken up by the entire symphony orchestra in diverse, ingeniously crafted combinations.

This consistency and perseverance lend the piece its unique character: imagine maintaining the same rhythm for 20 minutes without losing focus or precision.

Beyond Boléro, Ravel left his mark on music with a style entirely his own.

Mastering the art of crescendo and resolution, he managed to condense a spectrum of emotions into a remarkably brief timeframe. His music offers no respite; instead, it immerses the listener in a fantastical world, a plunge as total as its abrupt denouement.

Unlike other composers, Ravel maintained a remarkable consistency in his style throughout his life.

Faithful to his ideas, he dreamed of unprecedented sounds and a revitalized orchestra. He was profoundly influenced by his mother’s Spanish heritage, reflected in works like Rapsodie Espagnole and Miroirs.

Maurice Ravel es famoso por su Bolero, compuesto en 1928.

Si bien la pieza ha sido interpretada de innumerables maneras, Ravel insistió en que debía interpretarse a un solo tempo, evocando el estilo lastimero de la música árabe-española. El mismo tema es introducido primero por una pandereta y una flauta, y luego retomado gradualmente por toda la orquesta sinfónica en diversas combinaciones ingeniosamente elaboradas.

Esta consistencia y perseverancia le otorgan a la pieza su carácter único: imagine mantener el mismo ritmo durante 20 minutos sin perder la concentración ni la precisión.

Más allá del Bolero, Ravel dejó huella en la música con un estilo completamente propio.

Dominando el arte del crescendo y la resolución, logró condensar un espectro de emociones en un lapso de tiempo notablemente breve. Su música no ofrece respiro; En cambio, sumerge al oyente en un mundo fantástico, una inmersión tan total como su abrupto desenlace.

A diferencia de otros compositores, Ravel mantuvo una notable consistencia en su estilo a lo largo de su vida.

Fiel a sus ideas, soñaba con sonidos inéditos y una orquesta revitalizada. Recibió una profunda influencia de la herencia española de su madre, reflejada en obras como Rapsodie Espagnole y Miroirs.

A star dancer of the Ballets Russes, an icon of the Belle Époque, and a patron of the arts.

A pioneering performer, bisexual and scandalous, she would die as a mystic and recluse, forgotten by the world. Provocation came naturally.

Born in Russia to a wealthy Jewish family, Ida was orphaned at the age of seven.

She was seen as eccentric, driven by a singular obsession: to perform on stage.

Fresh out of an asylum, she married a token husband to secure her freedom.

Though censored by the Orthodox Church and disparaged, her audacity paid off.

Ida dazzled Paris, the hub of avant-garde innovation. Her performances, sensuality, and elegant figure mesmerized audiences. A muse to painters, an eccentric socialite, and a lover of hunting and travel, Ida found liberation both on stage and in her personal life. 

Ever defiant, Ida left the Ballets Russes to create her own company, realizing her vision of an artistic synthesis. She triumphed, commissioning sets, costumes, music, texts, and choreography from luminaries of her time: Stravinsky, Gide, Valéry, Bakst, Claudel...

Ida reigned over the interwar ballet scene until 1938, when she fled antisemitism to London.

After the war, her world and glory faded. She withdrew to Vence, where she died in 1960, anonymous and long forgotten.

Bailarina estrella de los Ballets Rusos, icono de la Belle Époque y mecenas de las artes.

Artista pionera, bisexual y escandalosa, moriría como una mística y reclusa, olvidada por el mundo. La provocación le era natural.

Nacida en Rusia en el seno de una familia judía adinerada, Ida quedó huérfana a los siete años.

Era considerada excéntrica, impulsada por una singular obsesión: actuar en el escenario.

Recién salida de un manicomio, se casó con un hombre simbólico para asegurar su libertad.

Aunque censurada y denostada por la Iglesia Ortodoxa, su audacia dio sus frutos.

Ida deslumbró a París, epicentro de la innovación vanguardista. Sus actuaciones, su sensualidad y su elegante figura cautivaron al público. Musa de pintores, excéntrica socialité y amante de la caza y los viajes, Ida encontró la liberación tanto en el escenario como en su vida personal.

Siempre desafiante, Ida dejó los Ballets Rusos para crear su propia compañía, haciendo realidad su visión de una síntesis artística. Triunfó, encargando escenografías, vestuario, música, textos y coreografías a figuras célebres de su época: Stravinsky, Gide, Valéry, Bakst, Claudel...

Ida reinó en la escena del ballet de entreguerras hasta 1938, cuando huyó del antisemitismo a Londres.

Tras la guerra, su mundo y su gloria se desvanecieron. Se retiró a Vence, donde murió en 1960, anónima y olvidada durante mucho tiempo.

Before departing for the New World, Ida Rubinstein commissioned Ravel to compose music for a Spanish ballet. Upon her return, they agreed he would orchestrate six fragments of Iberia, a piano masterpiece by Isaac Albéniz. 

In late June, Ravel traveled to his native Basque Country with Cuban pianist and composer Joaquin Nin. But what did Nin reveal on their journey to Saint-Jean-de-Luz? That Spanish conductor Enrique Arbos had already begun orchestrating Iberia for another celebrated dancer, La Argentina. 

Initially unfazed, Ravel soon became convinced his efforts were jeopardized. He rushed back to Paris to inform Ida and conceived a new idea: reviving a project he had envisioned three years earlier but never executed—perhaps fearing «sabotage,» as he cryptically noted.

Various clues suggest it was a Fandango, initially intended for another Spanish ballet, The Portrait of the Infanta, commissioned in 1923 by a dancer from the Opéra-Comique. Though never performed, Ravel might have planned as early as 1925 to develop the Fandango into a standalone piece. By August 1928, his correspondence referred to this dance, and he eventually titled it Boléro.

Completed in record time at the Belvedere in Montfort-l’Amaury, the score was finalized on October 15, 1928. Was the urgency of the situation a catalyst for this groundbreaking work, which Ravel described as containing «no music, no composition: only an orchestral effect»? It seems likely. 

True to the original concept of «simple» orchestration, Boléro nonetheless embodies Ravel’s genius: his love of challenges, his passion for Spain and dance, his orchestral mastery, and his fascination with mechanics—a legacy from his engineer father, shared by contemporaries like Honegger and Prokofiev.

While visiting Ford factories in the United States, Ravel claimed that Boléro was inspired by a factory in Le Vésinet and envisioned an industrial backdrop for his ballet. On November 22, 1928, Boléro premiered with Ida Rubinstein’s Ballets at the Palais Garnier. 

The sets, «Goya-like» in style, were designed by Alexandre Benois, a former collaborator with the Ballets Russes. 

That night, all of Paris was in attendance, but Ravel was on tour in Madrid. He saw the third performance on November 29. While he lamented the «picturesque» staging, he was thrilled by the audience’s unexpected enthusiasm for Boléro, which eclipsed Rubinstein’s other productions.

The press, despite some reservations, was captivated: «One is immediately enthralled, carried away by an art that borders on sorcery. The sound wave builds and abruptly breaks, leaving the audience literally spellbound, mesmerized by the magic of this 20-minute crescendo,» wrote one critic. 

Another noted, «The nerve-racking fascination is absolute, akin to the rhythmic repetition used by Orientals. A raucous crescendo, a vertiginous ascent that obsesses and compels, capable of lifting us from our seats and inspiring wild gesticulations. Nowhere in musical history is there an example of such virtuosity. This tour de force is an enchantment for the ears.»

Antes de partir hacia el Nuevo Mundo, Ida Rubinstein encargó a Ravel la composición de música para un ballet español. A su regreso, acordaron que él orquestaría seis fragmentos de Iberia, una obra maestra para piano de Isaac Albéniz. 

A finales de junio, Ravel viajó a su País Vasco natal con el pianista y compositor cubano Joaquín Nin. Pero ¿qué reveló Nin en su viaje a San Juan de Luz? Que el director de orquesta español Enrique Arbós ya había comenzado a orquestar Iberia para otra célebre bailarina, La Argentina. 

Inicialmente imperturbable, Ravel pronto se convenció de que sus esfuerzos estaban en peligro. Regresó rápidamente a París para informar a Ida y concibió una nueva idea: revivir un proyecto que había imaginado tres años antes, pero que nunca llevó a cabo, tal vez por temor a un «sabotaje», como señaló crípticamente. 

Diversas pistas sugieren que se trataba de un Fandango, inicialmente pensado para otro ballet español, El Retrato de la Infanta, encargado en 1923 por un bailarín de la Opéra-Comique. Aunque nunca se representó, Ravel podría haber planeado, ya en 1925, convertir el Fandango en una pieza independiente. Para agosto de 1928, su correspondencia hacía referencia a esta danza, y finalmente la tituló Boléro.

Completada en tiempo récord en el Belvedere de Montfort-l’Amaury, la partitura se terminó de escribir el 15 de octubre de 1928. ¿Fue la urgencia de la situación un catalizador para esta obra pionera, que Ravel describió como «sin música ni composición: solo un efecto orquestal»? Parece probable. 

Fiel al concepto original de orquestación «simple», Boléro encarna, sin embargo, el genio de Ravel: su amor por los desafíos, su pasión por España y la danza, su maestría orquestal y su fascinación por la mecánica, un legado de su padre ingeniero, compartido por contemporáneos como Honegger y Prokófiev.

Durante una visita a las fábricas de Ford en Estados Unidos, Ravel afirmó que Boléro se inspiró en una fábrica de Le Vésinet e imaginó un escenario industrial para su ballet. El 22 de noviembre de 1928, Boléro se estrenó con los Ballets de Ida Rubinstein en el Palacio Garnier. 

Los decorados, de estilo «goyesco», fueron diseñados por Alexandre Benois, antiguo colaborador de los Ballets Rusos. 

Esa noche, todo París estaba presente, pero Ravel estaba de gira en Madrid. Presenció la tercera función el 29 de noviembre. Si bien lamentó la puesta en escena «pintoresca», se emocionó con el inesperado entusiasmo del público por Boléro, que eclipsó las demás producciones de Rubinstein.

La prensa, a pesar de algunas reservas, quedó cautivada: «Uno queda inmediatamente cautivado, arrastrado por un arte que roza la brujería. La onda sonora crece y se descompone abruptamente, dejando al público literalmente hechizado, hipnotizado por la magia de este crescendo de 20 minutos», escribió un crítico. 

Otro señaló: «La fascinación estremecedora es absoluta, similar a la repetición rítmica de los orientales. Un crescendo estridente, un ascenso vertiginoso que obsesiona y cautiva, capaz de levantarnos del asiento e inspirar gesticulaciones salvajes. En ninguna parte de la historia de la música hay un ejemplo de tal virtuosismo. Esta proeza es un deleite para los oídos».

The Théâtre des Champs-Elysées is one of the most beautiful performance venues in Paris. Built in 1913 by a group of artists (Henry Van de Velde, the Perret brothers, Antoine Bourdelle, Maurice Denis), it was the first Parisian theater to be entirely constructed in reinforced concrete. 

For over a century, it has upheld the tradition of an eclectic and high-caliber program, featuring opera, recitals, orchestras, and dance. Its origins are famously marked by the “scandal” surrounding the premiere

of The Rite of Spring by Stravinsky and Nijinsky, a work that shocked audiences as much for its music as for its choreography.

Since then, the artistic journey of the Théâtre des Champs-Elysées has been defined by the presence of the most prestigious artists in the history of music, opera, and dance.

--

El Théâtre des Champs-Elysées es uno de los espacios escénicos más bellos de París. Construido en 1913 por un grupo de artistas (Henry Van de Velde, los hermanos Perret, Antoine Bourdelle, Maurice Denis), fue el primer teatro parisino construido íntegramente en hormigón armado. Durante más de un siglo, ha mantenido la tradición de una programación ecléctica y de alto nivel, que incluye ópera, recitales, orquestas y danza. 

Sus orígenes están marcados por el escándalo que rodeó el estreno de La Consagración de la Primavera de Stravinsky y Nijinsky, una obra que conmocionó al público tanto por su música como por su coreografía.

Desde entonces, la trayectoria artística del Théâtre des Champs-Elysées ha estado marcada por la presencia de los artistas más prestigiosos de la historia de la música, la ópera y la danza.