Stéphane Rolland concibe su colección de Alta Costura de Verano 2026, titulada Parade, como la resurrección de un circo elegante y perdido. Fuertemente inspirada en el vestuario diseñado por Pablo Picasso para el ballet Parade (1917), evoca específicamente la historia imperial del Cirque d’Hiver de París, fundado como Cirque Napoléon durante el Segundo Imperio Francés bajo Napoleón III, mismo teatro que sirvió de escenario para la presentación de la colección, el pasado 27 de enero de 2026.

Para esta temporada Summer 2026, Stéphane Rolland reimagina el circo de antaño, que no alza la voz, ni busca la atención por el exceso, sino por la presencia. La pasarela se desarrolla como una procesión. Nada ilustrativo, todo sugestivo. 

Alejándose del exceso teatral, Rolland se centra en la presencia y el silencio. La colección utiliza materiales estructurados como el gazar y el satén duquesa, con el propósito de crear “refugios arquitectónicos” para el cuerpo.

Los volúmenes son precisos, a veces casi severos, porque el circo está construido en absoluto rigor, en una constante tensión entre el cuerpo y el material. 

Abrigos asimétricos, capas estructuradas y jumpsuits, son las siluetas clave que Rolland propone para esta colección, que enfatizan la idea del ‘total body’ (que bien podría ser la evolución natural del body conscious).

Esta idea del total body se personifica con el omnipresente jumpsuit: libre de movimiento pero perfectamente contenido. Los pantalones cortos estructurados, los corpiños, los vestidos con corsé, o la espalda alada, evocan el inestable balance del circo: Mantenerse firme, elevarse, no caer.

Los hombros voluminosos, las mangas cúbicas, la corola o las faldas de bola evocan la suspensión, el impulso, el instante previo al salto. Junto con los volantes y polisones, son una constante como elementos de diseño en la colección.

Rolland se inspiró en figuras arquetípicas como el payaso augusto, el payaso solitario, el payaso triste (pierrot) y el maestro de ceremonias; sin buscar representarlos literalmente, sino extraer su esencia. 

El payaso se convierte en una tensión entre gravedad y fragilidad, plasmada a través de materiales mates contrastados con explosiones de bordados. El maestro de ceremonias aparece en el rigor de las líneas, en la impecable sobriedad de las siluetas en blanco y negro. 

Pierrot se percibe en los volantes, los volúmenes circulares, los contrastes radicales. Estos personajes cobran vida a través del corte, el ritmo y la materia.

El bordado juega un rol central, mas que como un ornamento, como un lenguaje en sí mismo. Diamantes, cristales, rubíes, topacios, granates… no hablan de riqueza sino de luz. Piedras preciosas aparecen como constelaciones, puntos de referencia en la oscuridad. 

Cada broche, cada detalle de plexiglás, se concibe como un fragmento de escenografía, un accesorio escénico posado sobre el cuerpo. La joyería se convierte en arquitectura; la prenda, en escenografía. Todo dialoga; nada existe de forma aislada.

Parade (1917) fue un ballet vanguardista fundamental, fruto de la colaboración entre Jean Cocteau (argumento), Erik Satie (música), Léonide Massine (coreografía) y Pablo Picasso, quien diseñó escenografía y vestuario. Estrenado por los Ballets Rusos en París, marcó la entrada de Picasso al teatro, combinando cubismo con un estilo neoclásico y destacando por sus trajes volumétricos de cartón.

Parade sacude las convenciones, hace temblar la frontera entre la calle y el escenario, y abre el camino a un arte que desafía los límites; en una palabra, un “surrealismo” vanguardista.

El vestuario diseñado por Pablo Picasso para el ballet Parade (1917) lleva el sello del cubismo: formas geométricas audaces y volúmenes esculturales que transforman a los bailarines en siluetas arquetípicas en lugar de figuras naturales. 

Estos trajes —algunos rígidos, casi arquitectónicos— liberan el cuerpo más que la idea misma; desafían el movimiento al imponer una decoración indumentaria a la danza, difuminando la línea entre vestuario y escultura.

Pablo Picasso impregna esta colección con una presencia innegable. Su relación con el circo, con los saltimbanquis (artistas callejeros) y con figuras marginales pero profundamente humanas, nutre la visión de Rolland.

Su capacidad para ver belleza en la fragilidad, nobleza en la marginalidad. La pasarela se concibe como un ballet contemporáneo, un homenaje indirecto a Parade. Como en Picasso, los cuerpos son a veces angulares, a veces flexibles, siempre expresivos. La moda se convierte en un arte del movimiento tanto como de la forma. 

El telón de Parade, diseñado por Pablo Picasso en 1917, se despliega con vibrantes formas cubistas y figuras oníricas para crear instantáneamente un espacio teatral atemporal. Se percibe el deseo de difuminar los límites entre la escenografía y la interpretación.

El ritmo minimalista y repetitivo de Erik Satie y la melancolía poética de Nino Rota marcan un ritmo hipnótico en la pasarela. Una música que rehúye del patetismo, que avanza mediante la repetición, la ruptura, la ironía. Inspira el ritmo del espectáculo: lento, casi hipnótico. Las películas de Fellini impregnan la atmósfera, aportando una extraña ternura a seres excesivos, frágiles y magníficos.

The Venue (Cirque d’Hiver): La colección se inspira en el "esplendor contenido" del Segundo Imperio, utilizando negros intensos y rojos imperiales. Materiales nobles, negros profundos, blancos radiantes, rojos bordados con piedras preciosas dialogan con esta idea de grandeza controlada. Capas, vestidos largos y colas evocan un ritual casi imperial. Sin embargo, nada es fijo; todo está atravesado por el movimiento. Es un circo de elegancia y tensión.

La paloma sirve como motivo recurrente. Inspiradas en el símbolo universal de la paz de Picasso, estas aves bordadas o abstractas actúan como un soplo de aire fresco en un mundo inestable, anunciando renovación y luz.

Stephane Rolland Summer 2026 Haute Couture es una colección "ritualista" en donde la moda se convierte en escenografía. Tiende un puente entre la grandeza imperial del siglo XIX, el cubismo vanguardista del siglo XX y la elegancia contemporánea. ◼︎

Con información de Station Service y Blue Press Service. 

Jessymar Daneau Tovar (@letroupe)